Greg Gorman: Promi-Fotograf, der etwas der Fantasie überlässt

Greg Gorman ist ein Promi- und Porträtfotograf mit zahlreichen ikonischen Bildern. Er „erschießt nichts, was ihm nicht antworten kann“.

Gorman möchte in seinen Fotografien nicht alles preisgeben.

„Als ich anfing, Bilder zu machen“, sagt Gorman, „habe ich die Lichter immer direkt über der Kamera angebracht, und alles sah aus wie eine austauschbare Briefmarke.“ Alles war beleuchtet. Es blieb nichts der Fantasie überlassen.

„Manchmal schaue ich mir ein Foto an, das mir auffällt, oder Bilder, die vielleicht nicht alle Fragen beantworten und in mir den Wunsch wecken, mehr zu wissen. Ich finde dieses faszinierende Element, und das mache ich auch mit vielen meiner Fotografien, die ein Wechselspiel zwischen Licht und Schatten zeigen. In den Schatten lauern mehr Geheimnisse als in den Lichtern.“

Gorman (geb. 1949) war noch nie von Ansel Adams Zonensystem beeindruckt, bei dem 11 Zonen definiert wurden, um die Abstufung aller unterschiedlichen Tonwerte darzustellen, die man in einem Schwarz-Weiß-Druck sehen würde, wobei Zone 5 das mittlere Grau und Zone 0 das mittlere Grau darstellt reines Schwarz (ohne Details) und Zone 10 ist reines Weiß (ohne Details).

„Ich habe mich nie um das Zonensystem gekümmert“, sagt der Meister, „weil ich meine Motive in Schwarz einrahme, also ist das Zonensystem direkt vor der Tür.“ Das Zonensystem gilt nicht so sehr für meine Bilder.

„Ich sagte, ich suche nicht nach diesem Kodak-Moment. Ich suche nach einem bestimmten Stil, einem bestimmten Look in meinen Bildern, der meiner Arbeit und dem, was die Leute auf meiner Fotografie sehen, innewohnt.

„[Ähnlich] spiele ich nicht mit dem Zonensystem. Ich habe mich nie zu sehr an das Buch oder bestimmte Regeln und Vorschriften gehalten. Ich greife eher auf die Kehle. Was ich in einer Person fotografieren möchte, und ich sehe, ist, dass ich die Lichter hervorheben und die Schatten abschwächen möchte. Für mich ist es also ein anderes Spiel.“

Gorman hat schon immer Menschen fotografiert – keine Landschaften, keine Produkte und keine Objekte.

„Bis vor Kurzem fotografiere ich nichts, was mir nichts sagen kann. In meinem neuesten Buch geht es nicht um Menschen [Homage sind Fotografien seiner Sammlung afrikanischer Stammeskunst, die er während COVID-19 aufgenommen hat, als er keine Menschen ins Studio bringen konnte], aber in allen meinen Büchern (insgesamt 13) geht es im Wesentlichen um Menschen.

„Ich habe immer Menschen erschossen. Ich meine, ich bin ein Menschenmensch. Ich bin sehr gesellig und liebe Menschen und die Kommunikation, die zwischen mir und meinen Motiven stattfindet, und die Herausforderung, in ihre Köpfe einzudringen, um das richtige Bild zu bekommen.

„Wenn man im Filmgeschäft arbeitet, trifft man von Zeit zu Zeit auf einige harte Charaktere, und diese Psyche zu durchbrechen und sie dazu zu bringen, für sein Team zu spielen, ist eine schöne Herausforderung. Das ist einer der Gründe, warum ich mich nie wirklich mit Mode beschäftigt habe, wo ich dafür gesorgt habe, dass die Leute dafür bezahlt werden, das zu tun, was ich ihnen sage. Ich muss die Menschen, die ich fotografiere, herausfordern, in ihre Köpfe einzudringen und ein zusammenhängendes Porträt zu erhalten.

„Man muss Psychologe sein, um meinen Lebensunterhalt zu verdienen – keine Frage. Ich teile meine Vision immer mit den Menschen, die ich vor der Kamera fotografiere. Ich habe ihnen immer die Polaroids oder [in jüngerer Zeit] die digitalen Aufnahmen gezeigt, damit wir als Team zusammenarbeiten, und auf diese Weise denken sie, dass Sie für ihr Team spielen.

„Wenn ich sie für einen Film drehe, in dem sie die Rolle brauchen, spreche ich über die Figur, weil ich für die Filme, an denen ich mitgearbeitet habe, immer das Drehbuch lese. Ich wusste ziemlich gut, wer sie waren und welche Rolle sie in diesem Film spielten, aber ich mag es nicht, zu viel Schnickschnack zu inszenieren. Wenn ich drehe, geht es also eher darum, den Kopf so zu neigen, das Kinn nach unten zu ziehen, dreh dich hierher.

„Wenn ich möchte, dass sie ein wenig lockerer werden, erzähle ich ihnen einen Witz oder so etwas, und dann lachen sie im Allgemeinen laut, und das ist nie der Fall. Das lächelnde Bild ist, wenn das breite Lächeln irgendwie nachlässt.

„[Mit] Djimon Hounsou habe ich ihn zum Schreien gebracht“, sagt der Fotograf und Winzer [unter seinem eigenen Label, GKG Cellars, das vom Wine Spectator hohe Bewertungen erhält]. „Dieses Bild war persönlich, kein kommerzieller Auftrag.

„Ich bekomme, was ich will, durch Körpersprache, Beleuchtung und ständiges Geplänkel. Ich rede während des gesamten Drehs und übertreibe es nicht, aber ich rede so lange, bis ich sie dahin gebracht habe, wo ich es haben möchte. Und dann werde ich sie so einstellen, dass sie sich nicht bewegen, stillhalten, und ich werde ein bisschen schießen.

„Im Hintergrund läuft immer Musik, sodass es im Studio keine große Lücke gibt. Das hängt vom Künstler ab, denn die Künstler, die ich fotografiere, haben normalerweise ihren eigenen Geschmack. Ich höre gerne Freeform-Jazz.“

Gorman findet digitale Dreharbeiten hektischer als zu Filmzeiten.

„Absolut, absolut, daran besteht kein Zweifel“, betont Gorman. „Und das liegt daran, dass die Leute wissen, dass die Digitalisierung nicht so viel Zeit in Anspruch nimmt. Das digitale Zeitalter ist für viele Menschen großartig und genauso zerstörerisch, denn als die digitale Szene erst einmal existierte, wussten die Menschen, dass sie die Bilder sofort bekommen konnten.

„Das war also eine Sache, und die andere Sache war, dass es für viele Fotografen, die sich mit ihrer Arbeit einen Namen gemacht hatten, für mich, Herb [Herb Ritts], Matthew [Matthew Rolston] und viele andere, sehr schwierig war. Es ging so weit, dass die Produzenten das von uns befohlene Geld nicht mehr ausgeben wollten und Joe Schmoe engagierten, der eine billige Nachahmung von Greg Gorman machen konnte, und sie wollten sich darüber überhaupt keine Sorgen machen weil sie es per Post beheben konnten.

„Diese Fotografen hatten nicht die Persönlichkeit und nicht die nötigen Mittel, um mit dem Talent umgehen zu können, aber den Studios war das egal, weil sie Geld sparten und das Bild wie die Berühmtheit aussah, also war das gut genug.“ , und sie konnten alles, was in der Postproduktion nicht gut war, leicht reparieren, im Vergleich zu früher mit Film, wo es viel schwieriger war.“

Im digitalen Zeitalter stellte Gorman fest, dass der Arbeitsablauf schneller war, da er keine Polaroids auf seine Hasselblad laden und keine Probeaufnahmen machen musste. Im Filmzeitalter fotografierten viele kommerzielle Fotografen, die im Mittel- oder Großformat fotografierten, ein Polaroid, um die Beleuchtung und das Aussehen des Fotos zu überprüfen oder es dem Art Director/Kunden zu zeigen, bevor sie es auf Film belichteten.

„Ja, auf jeden Fall, das ist schneller“, sagt er. „Ich weiß nicht, dass es immer besser ist. Die bessere Seite ist, wenn man eine gute Aufnahme gemacht hat, ist das großartig, denn ich habe viele Male ein Killer-Polaroid gemacht und konnte es nie erreichen [auf Film danach]. Ich würde mich umbringen, wenn ich versuchen würde, [den Ausdruck auf] einem tollen Polaroid zu finden, und ich würde nah dran sein, aber ich würde nie dasselbe bekommen.

„Das war immer frustrierend, aber man sieht die Aufnahme auch auf der Rückseite der Kamera, und sie ist im Vergleich zu einer Polaroidkamera klein, sodass man nicht weiß, ob man sie so gut hat.“ Detail [ja, Sie können es erweitern, aber das ist nicht praktisch] von dem, was Sie auf der Rückseite der Kamera sehen.

In den 2000er Jahren wandte sich Gorman der digitalen Fotografie zu.

„Ich glaube, die allererste Digitalkamera, die ich besaß, und ich war damals natürlich auf der Suche nach Leuten, die mir eine Kamera schenken wollten, aber Sie werden schockiert sein, war ein Mittelformat-[Digitalrückteil] von Kodak “, sagt Gorman.

„[Außerdem war eine andere frühe] Digitalkamera, die ich hatte, eine Foveon – ein PC-Laptop mit einem vorne angebrachten Canon-Objektiv und einem anderen Farbmatrixsystem. Die Dateien waren unglaublich. Ich meine, sie waren unglaublich.

„Apropos [frühe] Digitalkamera: Es war eine Canon 1Ds, die allererste professionelle digitale 35-mm-Kamera, die ich besaß, und ich habe mit all ihren Kameras fotografiert. Es waren fantastische Kameras.“

Gorman war auch ein Canon Explorers of Light, aber es lief nicht gut.

„[Ich war bis] vor ein paar Jahren bei ihnen. Ich habe mich gerade über sie geärgert, weil es so ein Blödsinn war. Sie wollten, dass ich [mit ihren Kameras fotografiere und auch] ihre Drucker und andere Dinge verwende. Ich sagte ihnen: „Seht mal, wenn ich tot bin und Gänseblümchen hochtreibe.“ Ich bin ein verdammt guter Drucker, aber ich mag es nicht, als Drucker bekannt zu sein.

„Sie hatten überall diese großartigen [Foto-]Shows, wie auch immer es PhotoPlus in New York heißt, und all die großartigen Shows oben in San Francisco, diese wunderbaren digitalen Shows, als alle neuen Produkte auf den Markt kamen.

Ich habe eine ansehnliche Instagram-Fangemeinde, aber ich verbringe mein Leben nicht in sozialen Medien, und sie [Canon] wollten die Zahlen, und ich erinnere mich, dass ich einmal zu PhotoPlus gegangen bin. Ich erinnere mich, dass ich bei einigen dieser von Canon gesponserten Cracker dabei war und Vorträge bekam, bei denen es um große Instagram-Zahlen ging, Leute. Sie hatten überhaupt keine Ahnung, worüber sie sprachen, und die Leute im Publikum stellten ihnen Fragen, die sie verdammt noch mal nicht beantworten konnten.

„Ich dachte, das ist der Punkt, an dem es gelandet ist, aber sie haben eine Viertelmillion Follower, also wird Canon ihre Eier in diesen Korb legen. Als ich anfing, für sie zu reden, wusste ich überhaupt nichts, was mich nervös machte. Ich war einer der ersten Menschen, die digital gesprochen haben, als ich kaum einen Computer und eine Kamera benutzte, und wenn mir jemand eine Frage stellte, auf die ich keine Antwort wusste, sagte ich nur: „Ich weiß es nicht, aber ich.“ „Das werde ich für dich herausfinden.“ Aber ich habe mich nicht durch die Antworten gekümmert, und da ist es jetzt weg.“

Gorman hatte in seiner über 50-jährigen Karriere viele denkwürdige Shootings.

„Ich denke, das erste Mal, dass ich David Bowie gedreht habe, war wahrscheinlich ein großartiges Erlebnis“, sagt Gorman. „Und das erste Mal habe ich Betty Davis fotografiert und natürlich in den frühen Tagen Leonardo DiCaprio, weil er, wie man weiß, großartig war, und am Ende hatten wir einen langen gemeinsamen Lauf, was großartig war.“

„Ich war sehr aufgeregt, als eine sehr enge Freundin von mir, die Publizistin von David Bowie [die Schwester des Fotografen Bruce Weber, Barbara DeWitt, die ihm auch Aufnahmen mit Frank Zappa und Iggy Pop ermöglichte), mich fragte, ob ich Lust hätte, ihn zu fotografieren Natürlich sagte ich: „Das ist großartig, ich würde ihn gerne erschießen“, und er entpuppte sich als toller Kerl, lustig. Ich hatte ihn oft zum Abendessen bei mir zu Hause und wir hingen oft zusammen. Er war großartig und er war ein Charakter. Eines Abends kam er mit einem komplett geschminkten Gesicht zum Abendessen, und ich hatte einen ziemlich guten Esstisch, Bette Midler und ein paar andere Persönlichkeiten, und niemand sagte etwas.

„Ich habe einen Teil [meines ersten Bowie-Shootings] in Bruce Webers kleinem Tageslichtstudio im Flower District in New York gedreht. Zu der Zeit, als sein Album, wie es hieß, „Scary Monsters (and Super Creeps)“ erschien, war es sowohl Tageslicht als auch Studiolicht. Und im Laufe der Jahre habe ich ein halbes Dutzend Albumcover, Singlehüllen und so weiter für ihn fotografiert.

„Das erste Shooting mit Leonardo DiCaprio fand 1994 in meinem Studio in Los Angeles statt. Bei diesem ersten Shooting mit David [Bowie] habe ich Blitzgeräte verwendet. Erst später in meiner Karriere konnte ich mir HMI-Leuchten leisten. Sie waren etwas teuer, aber letztendlich habe ich mir ein Arri 6K HMI gekauft, das ich immer noch in meinem Studio habe. Ich erinnere mich, dass ich dafür zusammen mit dem Vorschaltgerät 30.000 Dollar bezahlt habe. Ich meine, mein Gott, wissen Sie, die Glühbirne hat 2.500 US-Dollar gekostet, das war eine erhebliche Ausgabe, und ich musste 220 Volt Strom anschließen, um das Licht zu betreiben.

„Ich habe letztes Wochenende mit James Balog, dem Fotografen, damit fotografiert, und es ist einfach ein wunderschönes Licht. Man hat dieses große [Licht], und wenn man dann eine Sunbounce-Seide [auf einen C-Ständer davor stellt], hat man ein verdammt schönes Licht.

„Ja, es wird sehr heiß; Es ist ein sehr unpraktisches Licht. Heute fotografiere ich fast alles mit meinen Rotolite-LEDs, die ich liebe. Ich habe zwei Drittel mit den LED-Lichtern und etwa ein Drittel mit dem HMI fotografiert.

„James ist ein robuster Outdoor-Typ, und das wollte ich. HMI verleiht Ihnen einfach ein spektakuläres Aussehen.“

Gormans neuestes Porträtbuch „It's Not About Me: A Retrospective“, ein 400-seitiges Buch, wurde 2020 von teNeues veröffentlicht.

„Es geht zu 100 % um die Person vor meiner Linse [und nicht um mich]“, sagt Gorman. „Ich denke, eines der großen Probleme vieler Fotografen … Ich denke, dass einige Fotografen mehr von ihrem persönlichen Stil im Bild zum Ausdruck bringen, anstatt sich auf die Person zu konzentrieren, die sie fotografieren.

„Es ist lustig, weil Elton John ein guter Freund von mir ist und etwas [Vorwort] für das Buch darüber geschrieben hat, dass ich keinen Stil habe, was ich ziemlich lustig fand. Ich habe ihn nie wirklich damit konfrontiert, werde es aber wahrscheinlich eines Tages tun, da ich ihn regelmäßig sehe.

„Ich dachte, das ist interessant, weil ich glaube, dass ich einen Stil habe, aber ich habe verstanden, was er sagte, da er sich sehr gut mit Fotografie auskennt.

„Ich denke, was er damit sagen wollte, ist, dass ich versuche, die Individualität der Person vor meiner Linse auszudrücken, ohne zu sehr zu stilisieren wie Annie Leibowitz … deren Bilder eher gestylt sind, eher ein Statement, weil die Umgebung ziemlich viel annimmt Personifizierung im Rahmen ihrer Fotografien.

„Wenn man sich hingegen den Großteil meiner Arbeiten anschaut, sind es ziemlich einfache, sehr minimalistische Hintergründe, normalerweise dunkle Hintergründe, dunkle Kleidung. Es ist definitiv ein anderer Look.“

In den späten 1970er Jahren begann sich Gormans fotografischer Stil weiterzuentwickeln.

„Mit der Zeit, als ich mit Tom Waits fotografierte, begann sich mein Stil zu verändern“, sagt Gorman. „Ganz ehrlich, ein großer Teil davon ist meinem lieben ersten Assistenten David Jacobson zu verdanken. Er arbeitete mit mir und zeigte mir einige Dinge, als ich anfing, das Licht vom zentralen Brennpunkt der Kamera abzuheben.

„Ich habe ein paar Bilder von Tom vor einem Tattoo-Studio gemacht, die schließlich als Albumcover dienten und zu meinem produktivsten Bild von Tom wurden.“ Als ich anfing, das Licht vom zentralen Brennpunkt der Kamera abzulenken und einen dynamischeren Bereich zwischen meinen Lichtern und Schatten zu erzeugen, begann ich, meine Stimme als Fotografin zu finden.

„Ich hatte zu Beginn meiner Karriere mehrere große Durchbrüche“, sagt Gorman. „Die Arbeit für das Interview-Magazin war ein großer Pluspunkt, der mir geholfen hat, meinen Namen bekannt zu machen. Und das Gleiche gilt für die Erstellung einer Kampagne, die ich für laEyeworks gemacht habe, einer Signature-Werbekampagne, die ich immer noch seit mehr als 40 Jahren mache. Das waren zwei kommerzielle Dinge in Bezug auf die Menschen, die mich meiner Meinung nach bekannt gemacht haben. Sicherlich meine Arbeit mit David Bowie, aber ich habe auch die Filmkampagnen [die begannen, als Barbra Streisand aus heiterem Himmel anrief] in den frühen 80ern für Tootsie, Big Chill und Scarface gedreht. Diese Filmplakate haben mir auf jeden Fall sehr dabei geholfen, meine Karriere voranzutreiben.

Jeder Fotograf muss kommerzielle Arbeiten in Farbe fotografieren, aber Gorman hatte eine persönliche Leidenschaft für Schwarzweiß.

„Für Aufträge musste ich immer Farbaufnahmen machen“, sagt Gorman. „Aber für meine persönliche Arbeit und meine Bücher habe ich immer Schwarzweißaufnahmen gemacht. Als alles verfügbar war, habe ich immer mit der Kodak Panatomic-X fotografiert. Deshalb habe ich die meiste Zeit meiner Karriere einen feinkörnigen Film mit 32 ISO gedreht.

„Ich habe immer in Farbe fotografiert, weil Farbe Teil meiner kommerziellen Arbeit war. Ich habe in der Filmbranche gearbeitet, und sehr wenig davon war schwarzweiß. Das Gleiche gilt für meine Aktfotos. Ich konnte die Aktfotos, die ich fotografierte, nur dann wirklich verwenden, wenn ich Werbung für Europa machte, weil die Vereinigten Staaten zu heuchlerisch waren, um Aktfotos zu verwenden.

„Ich habe neben Schwarzweiß immer auch Farbe fotografiert, auch wenn es sich um einen Werbeauftrag handelte, und wenn es ein Farbauftrag war, habe ich normalerweise manchmal ein paar Rollen Schwarzweiß für mich fotografiert.

Als sich die digitale Qualität verbesserte und die Sensorauflösungen zunahmen, näherten sich 35-mm-Kameras immer mehr den Bildern von Mittelformatfilmen an.

„Als wir in die digitale Welt einstiegen, gefiel mir, dass die 35-mm-Digitalaufnahmen die Spontaneität einer 35-mm-Kamera mit der Qualität einer Mittelformataufnahme hatten. Ich fotografiere jetzt hauptsächlich mit einer Sony a7R IV oder V. Viele meiner persönlichen Arbeiten fotografiere ich mit der Fujifilm GFX 100 und GFX 100S. Als ich gerade für eine zehntägige Kreuzfahrt in Ägypten in den Nahen Osten reiste, nahm ich ihre neue kleine Fujifilm X-H2 mit, die ich liebe, weil die Kamera ungefähr die gleiche Größe wie eine 35-mm-Kamera hat, aber einen APS-C-Sensor hat Die Objektive sind um einiges kleiner.“

Gorman ist kein Fan der kürzeren Brennweite von Objektiven.

„Da ich Porträtfotograf bin, verwende ich lange Objektive“, sagt Gorman. „Ich meine nicht so lange, aber wenn ich mich in meiner gesamten Karriere für ein Objektiv entscheiden müsste, das ich fast ausschließlich mit guter Schärfentiefe verwendet habe, wäre es ein 70-200-mm-Objektiv. Ich habe mir gerade das neue Sony FE 70-200mm f/2.8 GM II zugelegt, das etwas leichter ist als die ältere Version. Ich habe auch das ZEISS Batis 85mm f/1.8 Objektiv für Sony, das mir gefällt. Ich war noch nie ein großer Star, vor allem wegen dem, was ich in meiner Karriere gemacht habe. Ich habe auch das Sony FE 24-105 mm f/4 G, das Sony 85 mm und das Sony FE 100-400 mm f/4,5-5,6 GM. Mit meiner Fuji GFX habe ich tolle Festbrennweiten.“

Gorman schießt nicht gern angebunden.

„Ich hasse es, angebunden zu fotografieren“, sagt der Porträtist. „Ich habe in meinem Leben wahrscheinlich ein halbes Dutzend Mal angebunden geschossen. Warum? Denn ich möchte nicht, dass irgendein Arschloch mir vorschreibt, wie mein Bild aussehen soll oder was sie wollen. Es unterbricht den Fluss und die Kontinuität einer Fotosession und macht es äußerst schwierig, eine Beziehung zu der Person vor Ihrer Linse aufrechtzuerhalten. Es macht mich einfach verrückt. Ich habe es gemacht, wenn ich musste oder wenn ich im Ausland gedreht habe und eine Verbindung haben musste, und sie schauen sich die Bilder an, aber selten.

„Ich denke, es macht die Person selbstbewusst. Ich würde nicht bekommen, was ich suche. Er würde mir geben, was ich seiner Meinung nach will, und das ist nicht das, was ich will. Ich möchte, dass meine Bilder mich ausdrücken und nicht das, was sie denken, dass ich es möchte. Wenn sie eine sekundäre Quelle zum Anschauen haben, vermasselt das meine Absicht.

„Ich habe viele Kameras gedreht. Ich habe lange Zeit mit einer 67er Fuji [Filmkamera] fotografiert, und diese Kamera gefiel mir. Die einzige kastenförmige Kamera, mit der ich jemals fotografiert habe, war das Doppelobjektiv; Ich glaube, es war eine Yashica.

„Ich hätte vielleicht auch eine Mamiya-Version gehabt. Ich hatte ein paar davon, aber meistens habe ich lange Zeit mit der Fuji 67 fotografiert, was mir sehr gut gefallen hat. Und Hasselblad natürlich schon lange. Zwischendurch hatte ich eine kurze Zeit bei Contax. Ich habe mit der Contax-Mittelformatkamera fotografiert, aber sie war nicht sehr zuverlässig.

Gorman begann 1968 mit dem Fotografieren auf Kodak Tri-X Schwarzweißfilmen und blieb diesem für einen Großteil seiner Arbeit treu, bis die Digitalisierung aufkam.

„Viele, viele Jahre lang habe ich Ektachrome 100 [im Mittelformat] gedreht“, sagt Gorman. „Später wechselte ich zu Fujifilm, wie zu Velvia und Provia, was mir besser gefiel.

„Ich kaufte Filmblöcke, da ich so viel drehte. Ich drehte sechs bis sieben Tage die Woche und manchmal ein paar Mal am Tag und pendelte zwischen LA und New York hin und her. Ich kaufte 250er-Filmblöcke oder was auch immer diese großen Hüllen waren, die man von Kodak bekam, und führte dann Filmtests durch, um meine Filterung zu verbessern.

„Weil ich immer warme Bilder mochte und die Filmserien unterschiedlich waren. Ich würde Kisten dieses Films kaufen, wenn ich eine Charge hätte, die mir gefällt. Normalerweise habe ich ein 81A- und ein 025-Magenta-Filterpaket oder so etwas verwendet, manchmal auch ein 81B- und ein 05-Magenta-Filterpaket oder was auch immer, um die Hauttöne dort zu bekommen, wo ich sie haben wollte.

„Die ersten Leuchten, die ich besaß, waren DynaLite und dann kamen Comets dazu, und ich habe immer noch meine Comets aus den 70er und 80er Jahren in meinem Studio“, sagt Gorman. „Ich fotografiere immer noch Comet, aber selten, weil ich nicht mehr so ​​viele kommerzielle Aufnahmen mache. Ich fotografiere auch mit Briese.

Gorman, der von der Arbeit von George Hurrell, Irving Penn, Richard Avedon und Helmut Newton beeinflusst wurde, fotografiert heutzutage am liebsten mit LED-Lichtern.

„Ich verwende gerne Rotolights, [besonders] die LEDs, die sie im AEOS 2 Pro und im neuen Rotolight Titan X1 produzieren, ich liebe. Ich habe den X1 und den X2, den Kleinen und den Großen.

„Für alle meine Lichtmodifikatoren arbeite ich mit Sunbounce. Ich verwende ihre Seide und ich verwende alle ihre Reflektoren.

„Ich mag eine Einzelpunktlichtquelle und additives und subtraktives Licht. Ich meine, ich verwende ein einzelnes Licht und einen von Peters [Peter Geller ist der Erfinder von Sunbounce] Reflektoren, und das ist alles.

„Ich arbeite gerne mit der Einzelpunktlichtquelle. Ich beginne immer mit meinen Motiven aus der Nähe, weil ich mehrere Dinge erreiche, wenn ich sie im Blick habe. Erstens finde ich heraus, was ich in den Lichtern hervorheben und in den Schatten abschwächen möchte, und zweitens stelle ich ein Maß an Intimität her. Wenn ich anfange, ein Foto zu machen, und Sie sich auf der anderen Seite des Raums befinden, kann ich weder Sie noch Ihre Energie erfassen.

„Ich baue eine persönliche Beziehung auf, indem ich in der Nähe beginne. Wenn ich die Kamera zurückziehe, habe ich auf diese Weise eine bessere Vorstellung davon, welchen Winkel ich nach oben oder unten abspielen möchte, und ich muss nicht hineingehen und ein Gesicht analysieren.“

Es war das Jahr 1968, und der junge Gorman, 18 Jahre alt, lieh sich die Honeywell Pentax seines Freundes (wahrscheinlich eine Spotmatic, die 1964 eingeführt wurde) mit Schraubbefestigung (bevor sie 1975 die Bajonett-K-Fassung einführten), um ein Jimi-Hendrix-Konzert zu fotografieren Kansas City. Er kaufte in der dritten Reihe ein Ticket und befand sich in der Nähe der Bühne.

„Da ich nichts über Fotografie, Film oder irgendetwas wusste, lieh ich mir eine Kamera von einem guten Freund, Buzz Gher, einem meiner Jagd- und Angelfreunde und damals auch einem begeisterten Fotografen“, sagt Gorman. „Er sagte mir, ich solle Tri-X mit 1/60 Sek. und Blende 5,6 fotografieren, und ‚Sie werden wahrscheinlich ein Bild machen.‘

„Am nächsten Tag ging ich zu ihm nach Hause und in seinem Keller hatte er 11 x 14 Zoll große Tabletts mit den Chemikalien aufgestellt. Wir entwickelten den Film, und als ich den ersten Abzug auf einem weißen Blatt Papier sah, war ich begeistert.

„Sie wurden, ja, wissen Sie, in einem kleinen Lokalblatt veröffentlicht … Ich meine, sie waren nicht sehr gut, sie waren etwas zu weich im Fokus, und ich weiß nicht, ob das daran lag, dass ich zu langsam geschossen habe [Verschlusszeit] oder zu viel Drogen rauchen. Damals, in den 60ern, war jeder ein Hippie mit langen Haaren und all dem Zeug…“

„Ich hatte nur ein 50-mm-Objektiv [wahrscheinlich das Super-Takumar 50 mm f/1.4, ein Wunderwerk an lichtstarker Optik damals trotz des schmalen Halses des M42-Schraubgewindes], daher waren die Bilder leider nicht so toll, aber es hat gereicht um mein Interesse daran zu wecken, Fotograf zu werden.

„Ich war, glaube ich, im zweiten Semester [Erstsemester] an der Universität [University of Kansas] in Liberal Arts and Sciences, und der einzige Studiengang, den sie in Fotografie anboten, war Fotojournalismus, also wechselte ich mein Hauptfach in Fotojournalismus.“

Eines von Gormans frühesten Promi-Shootings war das von Alfred Hitchcock mit einer Minolta SR-T 101 [mit „Kontrast-Licht-Kompensation“, einer frühen Matrixmessung], der ersten Kamera, die er im College gekauft hatte.

„Ich habe zwei Jahre lang an der University of Kansas studiert, bevor ich an die University of Southern California in Los Angeles wechselte, um einen MFA in Kinematographie zu machen“, sagt der prominente Schütze. „Zu diesem Zeitpunkt ging ich auf die Filmhochschule, um mein Studium abzuschließen, und wir hatten einen Kurs namens „Thursday Night at the Movies“, der vom verstorbenen Filmkritiker Arthur Knight geleitet wurde, und in jedem Kurs brachte er einen Filmstar oder einen Produzenten mit Regisseur, der seinen Film vorstellt.

„An einem besonderen Abend brachte er Alfred Hitchcock mit, um Frenzy vorzustellen, und ich nahm einfach meine Kamera mit zum Unterricht und machte ein paar Bilder.“

Aufgrund der geringen Qualität interessierte sich Digital für Gorman anfangs nie wirklich.

„Ich dachte immer, Digital wäre eine gute Entschuldigung für schlechte Fotografie“, sagt Gorman. „Und weil ich damals Mittelformat und Hasselblads fotografierte, habe ich 35 mm in den frühen Tagen meiner Filmaufnahmen so gut wie aufgegeben.

„Als die Digitalisierung aufkam, liebte ich die kleinen Kompaktkameras schon immer. Ich hatte jede davon … aber ich hatte nie das Gefühl, dass die Digitalkameras, die 35-mm-Digitalkameras, von Interesse waren. Sie hatten drei Megapixel und dann bis zu fünf oder sechs Megapixel. Es waren nicht genügend Informationen vorhanden, um einen Ausdruck anzufertigen.

„Ich fotografiere nicht mehr so ​​oft kommerziell“, sagt Gorman mit einem erleichterten Seufzer. „Ich mache mehr persönliche Arbeit. Ich habe ein paar persönliche Shootings vor mir, bei denen es sich nicht um bekannte Menschen handelt, sondern um Menschen, die ich gerne fotografiere.“

Und es geht immer noch nicht um ihn, genau wie an einem schicksalhaften Tag im Jahr 1968, als er sich seine erste Kamera auslieh und ein Foto machte!

Über den Autor : Phil Mistry ist ein Fotograf und Lehrer mit Sitz in Atlanta, GA. In den 90er Jahren startete er einen der ersten Kurse für Digitalkameras in New York City am International Center of Photography. Er war Leiter und Dozent der Digital Days Workshops der Zeitschrift Sony/Popular Photography. Sie können ihn hier erreichen.

Bildnachweis: Alle Fotos Greg Gorman, mit freundlicher Genehmigung von teNeues. Headerfoto Greg Gorman; Mendo Workshop Okt. 2014; Albion; CA. © 2014 TeevonTeePhoto